El otro día Isabel, mi sobrina de 6 años, intentó hipnotizarme mientras cantaba genialmente "confía en mííííí sssssolo en mí, ven acá y confía en mi, no te me caigas..."
Y recién me acordé "a mi no me engañas Mowgli, un trato hicimos yo y tú, y dame luego luego del hombre el fuego, para ser como tú..."...
Entrañable película de la niñez, como tantas del genial Walt Disney, con varios personajes increíbles y una música por demás "sabrosa" diría Baloo; el "Libro de la Selva" es sin duda, toda una referencia para varias generaciones que disfruta de las aventuras fantásticas de los queridos dibujos animados.
"Nuestra única ambición es marchar con precisión, hay q conservar nuestra tradición..." jejej
Y bueno, que cosa más genial que dejarse llevar por ese collage de estilo musicales jazzeros, bluseros, rockeros, que tan fácil se apoderan de nosotros, todavía linda memoria, y finalizar con Baloo...
"The Boy with the Arab Strap" (1998) fue el primer disco de la agrupación escocesa Belle and Sebastian que escuché hace ya algunos años atrás, desde entonces es uno de los infaltables en el playlist.
Producto de la inventiva de Stuart Murdoch, Belle... inicia su carrera hacia 1996, el disco de hoy es su tercera producción, y se encuentra según la opinión de la crítica en el periodo más rico de la historia de la agrupación, aunque debo apuntar que cada álbum tiene su toque especial, pudiendo ser su calidad integral producto de una apreciación individual, quizás si como complemtarios por secuencia "If Youre Feeling Siniester" y "The Boy..." son loas favoritos de la mayoría de seguidores.
Este disco contiene 12 temas alucinantes, frescura de viaje y paisajes a pleno sol detrás del cristal.
Es cierto que existe una marca sonora que se nutre de música añeja, de vertientes folk y pop de las primeras edades de la música eléctrica, pero trasciende por su sólida propuesta: música y líricas, haciendo de propuesta de Belle and... una apuesta por feelings anclados en sencillas y encantadoras vibras sónicas.
Iba a poner algo de Elend hace tiempo, y hoy se me ocurrió algo de Dark Sanctuary, en esa línea musical, pero con mayor arraigo por lo clásico, en lo que radica su poder de atmósferas y ambientes.
"Les Mémoires Blessées", el disco de hoy, data del año 2004, es otra profunda obra musical que explora los sonidos melancólicos, y vibraciones claroscuras del espíritu humano.
Originaria de Francia, Dark Sanctuary, ha sido capaz de mantener intacta su vertiente clásica a la hora de grabar desde 1996, el desarrollo de la agrupación se ha sucedido orgánicamente y acorde a la ambición de generar una visión única de música neoclásica del S. XXI; tan propia y tan atemporal como las esencias del sentido humano siempre.
Un temita en vivo para matizar lo escrito: "L'autre monde" en La Locomotive mayo de 2003...
Un toque de death metal melódico faltaba por acá y Hypocrisy es una de esas bandas básicas, para cualquier persona que desee probar música extrema.
Originaria de Suecia, la banda viene trabajando desde el año 1989, y durante su recorrido nos han propuesto álbumes de variada temática: desde las iniciales elucubraciones oscuras del black hasta las de abducciones alienígenas; así como la evolución de un sonido fundamentado en el death y posteriormente inclinandose al melódico, sin dejar, eso sí, su vertiente primigenia.
Después de varios años de tribulaciones y discos poco satisfactorios, el 2005 se publica "Virus", para muchos una vuelta de tuerca con guiños al Hypocrisy original de los noventa, y sin duda un buen disco de metal en plena panza de la década.
Qué más decir de este poderoso sonido, y bueno, por ahí algún amigo me comenta que estamos cerca de tener una nueva producción, mientras: Fire in the Sky, en vivo...
A Patton y sus experimentos sónicos llega uno, seguramente, tras haber seguido su participación en la poderosa banda "Faith No More".
Como llega Patton a "Director's Cut", seguramente, tras años de haber mascullado melodías en su cabezay armar una nueva propuesta, para continuar con la búsqueda de nuevas formas musicales (?): Fantômas.
El disco de hoy es un compilado de temas de películas clásicas, versionadas al puro estilo de Mike, y compañia, además de músicos amigos, garganta, lengua, caja toráxica, pulmones, estómago, y cada mínimo musculo implicado en el proceso de generar sonidos desde las profundidades de las visceras humanas.
Decir que la accesibilidad comercial de su proyecto es indirectamente proporcional a la genialidad de este individuo, despojado de ataduras estilísticas y con una libertad creativa que continuamente nos reta. Y un pedazo de arte tan provocador como este...
Un "combo" de temas de "entrada" al universo Patton... "Rosemary's baby", "Ave Satani"... y unos temas decontruyendo el funky y el pop...
Recuerdo la primera vez que vi el disco... iba de compras a la disquera con un amigo, él se asomó a un bloque de discos y emocionadísimo dijo: "Incantation!!!", tomó el disco y lo compró. No comprendía la emoción por un disco que parecía antigüísimo...(no le dí mucha importancia ya que la tapa no es muy comercial ;P). Después de tiempo ( por obra y gracia del destino) los temas de "Incantations" estaban en mi lista de reproducción de Windows Media, al escucharlo francamente me quede "encantada" con los temas.
Mike Oldfield, es un instrumentista británico y el género al que pertenecen sus composiciones es encantadoramente progresivo. El cuarto álbum de su carrera musical es "Incantations" (Conjuros) que salió el 24 de Noviembre de 1978 con un aire hipnótico que parece que nos empujara a la fantasía de un disco medieval con mucha percusión e instrumentos de viento. Esta obra está dividida en 4 partes cada una de más de cuarto de hora de duración, yo soy del grupo que piensan que le sobran 20 minutos pero no por ello deja de ser gratificante escuchar todo el álbum...
La primera y segunda parte aparece el "Himno a Diana" cantadas perfectamente por voces femeninas, dan un sentido de tranquilidad.
En la tercera y cuarta parte aparece el "Cántico de Hiawatha", algo más rápido que las 2 anteriores. Lo característico de la cuarta parte es que junta los ritmos de las anteriores: empieza muy suavemente con el teclado, y luego pasa otra vez a la guitarra junto a una percusión.
El siguiente video corresponde a la tercera parte del álbum:
Muchos de los fragmentos de este álbum se usaron para ambientar los videos de la NASA sobre la llegada del hombre a la luna. Qué excelente trabajo hizo Mike Oldfield!! es un verdadero trabajo musical, si te gusta experimentar nuevos temas pues bienvenido seas a "Incantations"...
Otro disco 100, A+... 12 temas y 39 minutos de perfección.
Emiliana Torrini es una cantante islandesa que viene haciendo música desde mediados de los años 90, la búsqueda continua de un sonido que pueda identificarla se puede apreciar en cada uno de los 5 álbumes en los que ha participado hasta "Fisherman's Woman" de 2006, el calce perfecto para su registro y libertad creativa.
El sonido de este álbum deambula suavemente entre lo acústico y el pop dulce-melancólico, así que viene justito para este invierno.
... de "rock nacional" nada, de "rock local" mucho menos, incluso alguna vez, y entre copas, iluminados, habíamos discutido sobre las realidades de los conceptos de 'nación', 'república', 'estado'... etc's... para elucubrar un poco sobre el "rock boliviano", casi que cuestionando su existencia, como también sus débiles (e imposibles) identidades... muchos años después, y aún no resuelta la cuestión sobre la 'posible situación' de ser gestores de un rock de ascendencia nacional, me encuentro ante interesantes propuestas musicales.
Un par de años han pasado desde que mi amiga Shirley me invitara a un concierto en la universidad, para ver algunas bandas del cartel popular cochala. En años precedentes había estado asistiendo yo a una decena de conciertos de metal, y evitando el cartel popular de agrupaciones de muchachos mono-neuronales amantes del ska.
(Siempre me ha parecido más sincera esa opción, el metalero es "metalero nomás", escuchará thrash o black, power o doom "metalero nomás"; no se carga etiquetas para hacer "metal boliviano", solo toca, le pone empeño y escucha con pasión la musiquita no importa de dónde venga...)
En una anterior entrada hablaba sobre Coda 3, y el impacto que supuso su música en la década de los noventas; ¿qué ha pasado desde entonces?, la música moderna hecha en Bolivia, ha ido complejizando de maneras interesantes sus paisajes, sino con ideas innovadoras, con versiones sensibles (y casi traducidas al sentir boliviano) de la música global.
Pues nada, y mucho. En vez de 5 banditas, hoy existen un centenar, suficientes como para justificar espacios en radio o en televisión, de varias calidades por supuesto: las que tocan en el quince del prefecto o las que se dan de mega-estrellas 'no consumidoras' (ja!).
Existe, en todo caso una paleta mayor de posibilidades de encuentro sónico.
Volviendo al asunto de este post, interesantes temas he escuchado de musiquita hecha en Boliva, con pretexto de cuecas o diabladas, de tributos, pluggeds o un-pluggeds, covers alegrones o depresivos...
en eso que ví a las bandas del cartel esa noche con Shir, me quedé prendido de una de esas melodías "hit de radio". Melodía que volví a escuchar un tiempo después en la casa de un amigo quillacolleño, co-participe, según él, de su creación.
A-pie, es una agrupación cochabambina con un sonido básico en el que sobresale la impresionante voz del vocalista; lo suficientemente buena como para sugerirla y compartirla en red.
Si bien, sacaron a fines del 2007 recién su primer álbum, pongo en consideración de ustedes un cd con varios temas que vienen sonando ya hace varios años en el país con el homónimo de la banda "A-pie".
... drum’n’bass, jungle, grime, dubstep, ragga jungle, 2step, UK garage... para los neófitos en la actual escena electrónica global, casi todos esas etiquetas suenan algo ajenas al cotidiano "pop-rock" de coyuntura en el cable o en la radio.
En ese marco de experimentación sónica se han venido gestando los gérmenes de la música del futuro, y es que "Untrue" tiene algo de eso, atemporalidad visionaria, futurismo y austeridad...
"Untrue" es el segundo disco del productor musical inglés Burial, del que solo se sabe eso. "Burial", su disco predecesor, supuso un impacto profundo en el mundo del dubstep, siendo acogedora la recepción que la crítica hizo de ese trabajo, hace 2 años atrás.
No podía pasar algo diferente con "Untrue", disco muy esperado. El disco no decepciona, pues continua con esa tendencia de sonidos, samples, ritmos, ahondando de cierta manera la parte ambiental y el uso de voces.
Elogiado de nuevo por la crítica, y en camino de ser una referencia en la música de la primera década del XXI, escuchemos un poco del sonido que propone Burial: "Archangel", track 2
Anabantha es un grupo de México D.F. con un estilo Metal Gótico que se inició el año 1997. ¿Grupo conocido?, creo que muy poco...¿cómo lo conocí?...llegaron a Bolivia en Julio para las fiestas Julianas de La Paz - Bolivia, el 2007, lastimosamente no fuí a su concierto; sin embargo, iban a dar un concierto especial en el salón de su Hotel, que, se suspendió porque no había mucha gente para iniciar el evento, pero bueno, los pocos que fuimos nos hicimos sacar fotos con ellos y obtuvimos auto-grafos :).
Anabantha significa "Tributo a Luzbel", (nombre característico de este tipo de grupos) pero conociendo a los muchachos en persona son "buena onda", nada turbios.
Este disco es muy bueno, creo que los amigos se esforzaron mucho para sacar este disco.
Se caracteriza por tener un enfoque melancólico, los temas cuentan con una variación de sonidos que te atrapa y hace de los temas aún más absorventes, especialmente el primero:"El altar de las pasiones desoladoras". Los instrumentos acompañados de la voz de Duan Marie, en suma, suenan integralmente excelente.
Son 3 temas del disco Letanías Capítulo Prohibido a los que haré mención, y creo importantes para, los temas han sido escritos por Vlad Laneros, baterista del grupo:
El primero: "Sangre" es el cuarto tema del disco, su ritmo es más rápido del disco, en el video podremos apreciar su presentación en vivo...
El segundo: "Tú me matas", canción lenta y melancólica...
(El tercero: "El altar de las pasiones desoladoras", igual de lento que el anterior muy melancólico; no encontré un video con buena calidad como para colgarlo, así que es mejor que lo escuchen)
Existe dos temas que me agradan, pero no están en este disco sino en "Letanias Capitulo III - Necromancia" y en "Sin decir Adios - Deja Vu", asi que de yapa aqui esta un video hecho por un fan del tema "Necromancia".
Y este fué mi paso por la onda del Metal Gótico mexicano.
Ayer era domingo, hoy me puse a escuchar los disquitos de "The Sundays". Tufillo a pop etéreo ochentero-noventero...
De hecho The Sundays es una agrupación británica fundada en los años ochenta, que produjo tres discos en un periodo de 10 años. Suficientes, sin duda, para dejar su sonido e influencia en los oídos de los amantes del indie-pop con toque british al puro estilo de The Smiths o Cocteau Twins.
Cada vez que leo, o me entero de alguna agrupación con vocal femenino proveniente de las islas británicas, mi oído se afila para una experiencia satisfactoria... y es que, dama inglesa que canta, por lo general me cautiva en el acto, me ha pasado tantas veces...
Harriet Wheeler, no iba a ser la excepción, dotada de una voz delicada, suave, casi tierna, no podía ser mejor complemento de ese pop con alas, que pocas bandas pueden lograr.
Nada más que decir, solo escuchar y disfrutar como esos años...
J. J. Perrey es un popular músico francés y precursor del sonido electrónico de finales los 60 y 70.
"Moog Indigo" es un compilado experimental sónico, elaborado con equipos de avanzada (esos años), y supone una propuesta novedosa en el sentido de las armonías lúdicas y los ambientes posibles de generar con la nueva tecnología de sintetizadores.
El disco incluye el popular y entrañable tema de cortina inicial del programa de humor mexicano "El Chavo del 8".
Recuerdo que, se me hace una sonrisa de oreja a oreja, cuando estaba en secundaria, y dada nuestra condición de adolescentes sabelotodos, perdimos una apuesta con el profesor de formación musical, quién nos había propuesto que en nuestro repertorio musical, llevabamos entrañablemente a Bethoven, "ja¡!", obviamente todos dijimos que los "Guns" eran los guns nomás y Bethoven no estaba "nica" en nuestra memoria mediata.
Zas.
El profe puso con su particular estilo en la pizarra "Marcha Turca - Ludwing van Bethoven" en la interpretación de no se que individuo ruso.
Play.
El sonido estereo de la sala de música nos invadió completos y se nos hizo la sonrisa y el murmullo se extinguió con los breves minutos de la obra. Luego el profesor puso "The Elephant never forgets" en la interpretación de J. J. Perrey.
Regocijo total.
Al final tuvimos q aportar todos con 10 centavos para sumar el costo total del "juanquisandwich", que, dado el caso, fue saboreado con doble intención, en nuestras caras, por parte del entrañable individuo de la motocicleta y la rubia cabellera.
Perrey se mantiene vigente en nuestros oídos gracias a esa anécdota, y sin duda por la revisión continua de su obra. Fatboy Slim lo ha remixado recientemente, Perrey ha colaborado con Air, también...
"The Elephant never forgets" de J. J. Perrey, y volver a sonreir...
P.D. Richi es Perrey, no Tomita el del tema... jejeje P.D.2 El link está corregido/ the link has been corrected 20/4/2010
Persephone es una agrupación alemana de música dark (wave), con fuertes influencias de world-music, muy a la usanza de Dead Can Dance, pero con una tendencia a centrarse en una ambientación etérea o de mayor oscuridad.
Sonja Kraushofer, la vocalista y líder es también figura central de la banda noventera de gothic L'ame Immortelle.
"Atma Gyan" es el segundo álbum de estudio de Persephone, y data del año 2004.
El disco tiene una introducción con percusión de tintes tribales, continua con el tema "Facing de Ruins", que sería el más fuerte de todo el disco, por su instrumentación y estructura; el resto del disco transcurre a volumen intermedio, prevaleciendo la voz de Sonya sobre unas ambientaciones de matices grises.
Perséfone, hija de Zeus y Deméter, fue raptada por Hades para asi convertirse en la Princesa - Diosa del Inframundo y los muertos, y cuándo emerge de la tierra de la mano de su madre trae consigo la vida de la primavera. Muchas de las atmósferas de la música de Persephone, podrían tranquilamente pasar por la música de fondo de su propia tragedia mitológica.
Tengo la fortuna de tener un pack especial de este disco. :-P
Darzamat, es una banda de black metal de origen polaco de mediados de los 90, el álbum "In the Opium of Black Veil" es su segunda producción (MCD) y data del año 1997.
La fuerza del metal, instrumental y vocalmente hablando, se encuentra equilibrada por interesantes arreglos orquestales y la delicada voz de la vocalista de esos años Kate.
Darzamat es la denominación que proviene de la mitología eslava, y hace referencia al espíritu que protege los bosques y los jardines, aspectos ambientales que están presentes en la concepción lírica y musical de la banda, especialmente los primeros dos álbumes.
Luego de la buena acogida de la escena metalera europea, Darzamat desapareció por cerca a 6 años y sufrió una reestructuración en todos sentidos para el nuevo siglo.
Hacia el año 2006, volvieron con un éxito mediano, y un nuevo disco "Traskarpatia" (hubieron otros d previos a este, menos relevantes) que trata de recuperar algunos aspectos presentes en sus inicios. Sin embargo, pese a la mejora en los aspectos técnicos de grabación y producción, la banda no alcanza a cautivarme tanto como antes, si bien el poder todavía se mantiene, los contrastes, y ambientaciones que los distinguían se aprecian apenas en algunos tracks, sucumbiendo al vocal de Flauros y las guitarras fuertes.
Quedan las bellas y poderosas atmósferas de su trabajo previo; y la espera de que se pueda recuperar ese espíritu...
El temita, nombre del disco, no es un video, pero, para que se hagan idea del sonido de este disquito...
... y el lado brutal de la banda... "Era of Agression"...
El otro día hablaba con un amigo y me comentaba que le gustaba el blog, le pregunté que disquito le gustaría que pongamos y, sugirió algo de Tomita.
Isao Tomita es una de esas referencias esenciales al momento de comprender la música electrónica. El afán experimental de Isao con el sonido electrónico se origina en la escucha de trabajos de Walter Carlos (o Wendy, posteriormente), quién sería colaborador (a) de Robert Moog, el creador de los famosos sintetizadores.
Poco a poco fue armando un estudio propio y experimentando con las nuevas 'herramientas' sónicas, y así creo música para cine, televisión, equipos olímpicos, piezas propias y versiones de temas de música clásica.
Su primer álbum "Snowflakes are Dancing" (1974)se convirtió en un suceso internacional, lo que le permitio viajar por el mundo a exponer su arte.
Al año siguiente lanzaría el popular "Pictures at an exhibition" y el "Firebird Suite", este último sobre una obra de Igor Stravinski.
Del año 1976, el disco de hoy será el "The Planets", basada en la obra de Gustav Holst,
Infaltable en este blog una artista tan conocida entre los hispano hablantes...una joya latinoamericana que nos deleita con temas folcklóricos referente a la vida y a la sociedad. La letra y la melodía son excelentes.
Haydeé Mercedes Sosa nació en San Miguel de Tucumán (Argentina) el 9 de julio de 1935, en un hogar humilde. De esos años viene su apego por las expresiones artísticas populares.
Por el año 1960, cuando se produjo una suerte de estallido en torno de la música folklórica, meramente consumista, el nombre de Mercedes Sosa, también conocida como "La Negra" ya estaba comprometido con el canto popular como integrante del Movimiento del Nuevo Cancionero, una corriente renovadora del folklore, surgida en la provincia de Mendoza, que proponía dejar de lado las modas pasajeras, para poner el acento en la vida cotidiana del hombre argentino, con sus alegrías y tristezas.
Su carrera discográfica es muy amplia y tiene muchos temas que son éxitos, por ejemplo: "Todo Cambia", "Gracias a la vida", "Sólo le pido a Dios",...etc. Pero, por hoy posteo el disco titulado: "De mí" (1991), las demás discografías las dejamos para próximos post's ;). Agradezco a Rossio, una amiga de trabajo, que me paso el disco completo :D (Gracias Chio!!).
Este disco contiene 13 temas, los que más me agradan son: "Oh, que será", (composición de Milton Nascimento y Fernando Brant) con Julia Zenko. En este video la vemos en el festival de Viña del Mar, sólo escuchen...
...y "El tiempo es veloz" (composición de David Lebón):
Espero que lo disfruten tanto como lo he disfrutado yo.
El metal melódico con toques folk nunca se escucho mejor, eso es el "Elegy" de Amorphis, 2006 de oro solo por esta joya.
Amorphis encontró reconocimiento entre los metaleros con el "Tales From The Thousand Lakes" (1994) y anteriormente ya habían llamado la atención con su "The Karelian Isthmus" (1992), ambos hitos del death metal finlandes.
Los álbumes de la banda se encuentran fundamentados líricamente en la mitología propia de su región, contenida documentalmente en el poema épico Kalevala, del cuál extraerían las premisas base para sus creaciones.
El punto de inflexión musical se daría con "Elegy" de 1996. El death iría mutando hacia un sonido más progresivo, con tintes folk-acústicos, las voces grind contrastarían con otras limpias. La atmósfera del disco, en relación a lo precedente, tendría otro matiz, de desencantos para unos y de ampliación de universo y aceptación de su música.
La producción del disco es brutal, el trabajo vocal se encuentra sustentando por una base musical en la que sobresalen varios elementos: la guitarra acústica, los teclados, y varios sonidos procesados y sampleados. Un deleite para los oídos.
Amorphis ha producido 5 álbumes desde entonces, siendo todos ellos herederos y consecuencia de una visión musical ambiciosa constante. Un deleite.
Hemos puesto bastante gente argentina últimamente. Para seguir con el desfile de artistas que nos brinda esa genial tierra, hoy continuamos con una de esas bandas poco conocidas pero no menos genial que las grandes propuestas de la década de los años 70: Pastoral.
"Pastoral" el primer disco, y homónimo de la banda, se grabaría hacia 1973, en síntesis, el disco esta armado con un concepto acústico de principio a fin, temas inspirados en las realidades que que se viven en las ciudades de esos años, con una calidad poética y musical tremenda.
El disco contiene el tema "En el hospicio" en su versión original, el segundo disco titulado como el tema, incluiría una versión nueva con un toque eléctrico nuevo, y de hecho sería el tema central del disco, un disco más abstracto y oscuro, por cierto.
Sabido es que el dúo hacía hincapié en la concepción armónica de los temas, cuidadosos arreglos vocales, aún en los discos posteriores que habrían de inclinarse al sonido eléctrico, llegando a ser considerados en el género progresivo.
Con una carrera de alrededor de 10 años, Pastoral produjo 6 obras, el últimos de ellos producido el año 1982, luego de un lapso de tiempo de recomposición y búsquedas personales que los separaría el año 79.
En mayo de 1983 se sucedió la muerte de Alejandro de Michele, y Pastoral dejaría de existir. Desde entonces y en referencia a su aporte mucho se ha escrito, Miguel Angel Erasuquin grabó algunos discos como solista, luego emigró hacia España, y los últimos años es habitante y profesor en la Patagonia.
El legado de esta agrupación, dúo, banda, etc. es patente en la revalorización constante que se hace de a pocode su obra.
"Girasoles de papel" track 5 de este pedazo de arte sónico...
¿Cómo olvidar esos temas de guitarreada colegial? Duncan no faltaba esos tiempos.
El álbum "Canciones"es el segundo en la carrera de Duncan Dhu, se remonta hacia el año 86, muuucho tiempo atrás, tiempo en que la música española se encontraba atravesando uno de los periodos más importantes en el marco de la experimentación con el pop y el rock estridente.
Influenciados por el folk y el rockabilly, Duncan pudo plasmar en este álbum un alto estandar a nivel compositivo y musical; lo que vendría a confirmarse por las excelentes ventas del mismo y el éxito alcanzado por varios cortes: "Esos ojos negros", "No puedo evitar (pensar en tí)", "Cien Gaviotas", entre otros temas.
La cabeza notoria de la agrupación sería Mikel Erentxun, que junto a Diego Vasallo y Juan Ramón Viles (este último los abandonaría hacia 1989) crearían temas básicos del pop en español durante los siguientes años de la década y de manera esporádica durante los noventa siguiendo la estela de su propia leyenda musical.
Para recordar uno de esos temas con video retro de esos años: "Cien Gaviotas"...
Pd. El link download es la re-edición del 2002 que incluye 4 tracks de bonus :-)
Este álbum llegó a mis manos materialmente en el formato de casset, "copia de la re-copia", hacia el año 93, recuerdo que había escuchado temas de Vox Dei en un programa de radio que se emitía en mi ciudad por FM Sonora, se llamaba "Teatro Mágico", y se ocupaba de poner rocksito argentino, entre otras variedades, además de comentar e ilustrar la particular historia de la agrupación a escuchar.
Después de haber conseguido "Caliente", "Jeremías pies de plomo", me tocó "La Biblia", alucinante descubrimiento. No necesité de gurús que me inicien en las artes del blues-rock de los Vox, y creo que el sonido y la lírica es tan visceral y sincero que, cualquiera podría dejarse llevar y enamorarse de su música.
(Durante mucho tiempo le dí duro al casset, con la aparición del cd, todo mejoró, tengo unas cajas de Sony, TDK, Maxell, Samsung... con cintas, ha de estar por ahí todavía mi "Biblia".)
Vox fue fundada como cuarteto, después de la producció y difusión de la Biblia, Juan Carlos Godoy, guitarra y voz dejó a la banda como un trío, la formación básica desde entonces: Ricardo Soulé, guitarras y voz; Rubén Basoalto, bajo y voz; Willy Quiroga, batería.
Pese a las idas y venidas de los integrantes de la banda, que viene haciendo música hace 40 años, la "Biblia" supone uno de los momentos históricos en la historia del rock argentino, el impacto musical y lírico conmovió a la iglesia, la cual sugirió a la juventud pueda acceder con confianza a esta propuesta, una de las primeras obras conceptuales: opera-rock en nuestro idioma.
Ricardo Soulé en la contratapa del álbum:
Siento que crezco y que subo y que me veo por dentro y me toco y me reconozco y que a mi lado estoy yo que me hablo y me entiendo y que ahora soy sueño y me acerco y no muero.
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